Location: W, Pantin
Location: W, Pantin
Supported Artist: Cleo Tabakian
Artiste soutenue: Cleo Tabakian
Category: Solo Exhibition
Catégorie: Exposition personnelle
Dates: 01.04 - 11.04.2021
Dates: 01.04 - 11.04.2021
p’vop’vokhut’yun (working title) is the first French solo exhibition of Cleo Tabakian.
p’vop’vokhut’yun will display a collection of approximately thirty colorful drawings, offering many journeys, pathways, remembrances of sensations, information, mirages, observed through past dances. Retracing the constant experiences of one’s anatomy in motion. The collection consists of drawings of mostly small formats, made with watercolor, pencils, and pastels. The exhibition includes a few poems, as well as a dance piece, performed by two dancers (Cleo Tabakian and Penelope Laurent-Noye) and accompanied by a sound artist and double-reed player (Lukas De Clerck) for the opening and the closing of the show. p’vop’vokhut’yun is an opportunity for Tabakian to unites in one space, both of her main practices: drawing and dancing. Enlightened by the dance, the drawings stand out as part of a whole, and reciprocally the dance is revealed by the presence of the drawings.
p’vop’vokhut’yun is an opportunity for Tabakian to present her significant research about the London organisation Independent Dance, and the emergence of an independent dance scene in the U.K. in the late seventies. One evening will be dedicated to presenting this research, that has not yet been published in France, situating her work in a London context, generally not familiar to French audiences. With p’vop’vokhut’yun, a Parisian audience will discover the work of a dance artist fully immersed in practices that typically stem out of the British dance culture. The talk will be followed by a discussion between the artist and the public.
A cross-collaboration on the dance piece is created in the exhibition and an other artist will be invited by Cleo Tabakian and Ana Braga to place one of their art works in the gallery for the duration of the show.
In that respect, p’vop’vokhut’yun will be a ‘changing place,’ gathering artists, hosting various activities in a dialogue with the drawings in the exhibition, and shaping new relations with the works.
p'vop'vokhut'yun (titre provisoire) est la première exposition personnelle française de Cléo Tabakian.
p'vop'vokhut'yun présentera une trentaine de dessins colorés, offrant de nombreux voyages, parcours, souvenirs, mirages, observés à travers les danses du passé. Retraçant les expériences constantes de son anatomie en mouvement. La collection est constituée de dessins, pour la plupart de petits formats, réalisés à l'aquarelle, au crayon et au pastel. L'exposition comprend quelques poèmes, ainsi qu'une performance, interprétée par deux danseuses (Cleo Tabakian et Penelope Laurent-Noye) et accompagnée par un artiste sonore et un joueur d'anches doubles (Lukas De Clerck) pour l'ouverture et la clôture du spectacle. p'vop'vokhut'yun est l'occasion pour Tabakian de réunir dans un même espace ses deux principales pratiques : le dessin et la danse. Eclairés par la danse, les dessins se distinguent comme faisant partie d'un tout, et réciproquement la danse est révélée par la présence des dessins.
p'vop'vokhut'yun est l'occasion pour Tabakian de présenter ses importantes recherches sur l'organisation londonienne Independent Dance, et l'émergence d'une scène de danse indépendante au Royaume-Uni à la fin des années 70. Une soirée sera consacrée à la présentation de cette recherche, qui n'a pas encore été publiée en France, en situant son travail dans un contexte londonien, généralement peu connu du public français. Avec p'vop'vokhut'yun, un public parisien découvrira le travail d'une artiste de la danse pleinement immergée dans des pratiques issues de la culture de la danse britannique. L'exposé sera suivi d'une discussion entre l'artiste et le public.
Une collaboration croisée sur la pièce de danse est créée dans l'exposition et un autre artiste sera invité par Cleo Tabakian et Ana Braga à placer une de leurs œuvres dans la galerie pendant la durée de l'exposition.
À cet égard, p'vop'vokhut'yun sera un "lieu changeant", rassemblant des artistes, accueillant diverses activités en dialogue avec les dessins de l'exposition, et créant de nouvelles relations avec les œuvres.
Tropical Salon / architectures of resistance and resilience
Tropical salon / architectures de résistance et de résilience
Location: Tropical Papers [Online], Paris
Location: Tropical Papers [Online], Paris
Supported Artists: Cooking Sections, Amalia Pica
Artistes soutenus : Cooking Sections, Amalia Pica
Categories: Laboratory of ideas and online project
Catégories: Laboratoire d'idées et projet en ligne
Dates: March - May 2021
Dates: Mars - mai 2021
Each year, Tropical Papers invites artists to design a project building bridges between the urban and the rural, local and internationally, in order to foster conversations and collaborations between new and evolving technologies, ancestral knowledge and contemporary issues.
This project is located at point X of a history, in a crossroads with multiple paths, in which following the principle of Serendipity, we have converged artists with whom we have shared discussions, common projects, moments of life and reflection in recent years and especially in recent months.
The word Serendipity, invented by Horace Walpole in 1754, finds its origin in The Travels and Adventures of Three Princes of Serendip, the translation of an ancient Persian tale published in London in 1722. The three princes in the story are the sons of Jafer, philosopher-king of the island of Serendip (or Serendip, the ancient name of Ceylon, now Sri Lanka). To complete their education, gain new experiences and learn about other traditions, Jafer sends them on a journey. This initiatory journey confronts them with a series of adventures, where observation, inference and ingenuity allow them to make several discoveries.
This ancient tale has several versions that circulated between India and the Middle East before arriving in Europe, where it was also a great success. It was translated, adapted and rewritten in the 16th century into Italian and German and in the 18th century into French, English, Danish and Dutch.
As in this story of a pilgrimage by three young men from Serendip, which we invite you to read, this project follows in the footsteps and clues of a group of artists who, through their diverse knowledge, connect in common points of interest that evoke movements of resistance, city-country relationships, and solidarity networks in the contemporary world.
Every story has a beginning, a middle and an end. Depending on where we are and how we interpret or analyze the clues, we can give them one direction or another. In this process of construction, we are faced with constant negotiations and decisions determined by the political, social, economic, cultural and ecological complexity of the context we live in. The multiple forms and meanings that life takes, individually or collectively, influence in a short and long term the local and global "existence" of what we call our Planet, that is, our future.
Art constantly questions us about this future and makes visible different forms of action, or inaction, that allow us to understand or question the role we have assumed and the direction we are going to take.
Through music, sound, cooking, walking in the forest or dancing, this virtual exhibition takes the form of a Salon, a place where private space meets public space to bring together different but deeply interconnected realities. The Salon, a space for living and sharing, which for most of us has been transformed into the space of all possibilities (office, classroom, dining room, etc.) becomes our virtual exhibition space, where we invite a group of artists to listen, observe, share and enjoy a sensitive and resilient experience.
These encounters, a cultural meeting place detached from a specific geographical anchorage, will notably allow marginal areas such as the countryside to exchange with the big cities, exploring new ways to overcome geographical marginality.
During the months of March, April and May they will propose an experimental program, creating an atmosphere in which new relationships and analogies can be envisaged between the guests and their audience, and a series of punctual meetings in our virtual platforms. These encounters, imagined by the invited artists through specific devices, will be the Salon where stories are told, kinship ties are created and new alliances are forged.
Chaque année, Tropical Papers invite les artistes à concevoir un projet entre l'urbain et le rural, entre le local et l'international, afin de favoriser les conversations et les collaborations entre les technologies nouvelles et évolutives, les connaissances ancestrales et les questions contemporaines.
Ce projet se situe au point X d'une histoire, à un carrefour aux chemins multiples, dans lequel, suivant le principe de la sérendipité, nous avons fait converger des artistes avec lesquels nous avons partagé des discussions, des projets communs, des moments de vie et de réflexion au cours des dernières années et surtout des derniers mois.
Le mot Serendipity, inventé par Horace Walpole en 1754, trouve son origine dans The Travels and Adventures of Three Princes of Serendip, la traduction d'un ancien conte persan publié à Londres en 1722. Les trois princes de l'histoire sont les fils de Jafer, philosophe-roi de l'île de Serendip (ou Serendip, ancien nom de Ceylan, aujourd'hui Sri Lanka). Pour compléter leur éducation, acquérir de nouvelles expériences et découvrir d'autres traditions, Jafer les envoie en voyage. Ce voyage initiatique les confronte à une série d'aventures, où l'observation, l'inférence et l'ingéniosité leur permettent de faire plusieurs découvertes.
Ce conte ancien a plusieurs versions qui ont circulé entre l'Inde et le Moyen-Orient avant d'arriver en Europe, où il a également connu un grand succès. Il a été traduit, adapté et réécrit au XVIe siècle en italien et en allemand et au XVIIIe siècle en français, en anglais, en danois et en néerlandais.
Comme dans cette histoire d'un pèlerinage de trois jeunes hommes de Serendip, que nous vous invitons à lire, ce projet suit les traces et les indices d'un groupe d'artistes qui, par leurs connaissances diverses, se connectent en des points d'intérêt communs qui évoquent les mouvements de résistance, les relations ville-campagne et les réseaux de solidarité dans le monde contemporain.
Chaque histoire a un début, un milieu et une fin. Selon l'endroit où nous nous trouvons et la façon dont nous interprétons ou analysons les indices, nous pouvons leur donner une direction ou une autre. Dans ce processus de construction, nous sommes confrontés à des négociations et des décisions constantes déterminées par la complexité politique, sociale, économique, culturelle et écologique du contexte dans lequel nous vivons. Les multiples formes et significations que prend la vie, individuellement ou collectivement, influencent à court et à long terme l'"existence" locale et globale de ce que nous appelons notre Planète, c'est-à-dire notre avenir.
L'art nous interroge constamment sur cet avenir et rend visibles différentes formes d'action, ou d'inaction, qui nous permettent de comprendre ou d'interroger le rôle que nous avons assumé et la direction que nous allons prendre.
À travers la musique, le son, la cuisine, la marche en forêt ou la danse, cette exposition virtuelle prend la forme d'un Salon, un lieu où l'espace privé rencontre l'espace public pour réunir des réalités différentes mais profondément interconnectées. Le Salon, un espace de vie et de partage, qui pour la plupart d'entre nous a été transformé en l'espace de toutes les possibilités (bureau, salle de classe, salle à manger, etc.) devient notre espace d'exposition virtuel, où nous invitons un groupe d'artistes à écouter, observer, partager et profiter d'une expérience sensible et résistante.
Ces rencontres, un lieu de rencontre culturel détaché d'un ancrage géographique spécifique, permettra notamment à des zones marginales comme la campagne d'échanger avec les grandes villes, en explorant de nouvelles façons de surmonter la marginalité géographique.
Durant les mois de mars, avril et mai, ils proposeront un programme expérimental, créant une atmosphère dans laquelle de nouvelles relations et analogies peuvent être envisagées entre les invités et leur public, ainsi qu'une série de rencontres ponctuelles dans nos plateformes virtuelles. Ces rencontres, imaginées par les artistes invités à travers des dispositifs spécifiques, seront le Salon où se racontent des histoires, se créent des liens de parenté et se forgent de nouvelles alliances.
Location: Liverpool Biennial, Liverpool
Location: Liverpool Biennial, Liverpool
Supported Artists: Artists graduated from MO.CO.Esba - Ecole supérieure des beaux-arts de Montpellier : Paul Dubois, Alice Fleury, Inhee Ma, Pierre Pérès, Clémentine Poirier and Gaëtan Vaguelsy
Artistes soutenus: Artistes diplômés du MO.CO.Esba - Ecole supérieure des beaux-arts de Montpellier : Paul Dubois, Alice Fleury, Inhee Ma, Pierre Pérès, Clémentine Poirier and Gaëtan Vaguelsy
Category: Group Exhibition
Category: Group Exhibition
Dates: 20.03 - 06.06.2021
Dates: 20.03 - 06.06.2021
In 2018 – 2019, Montpellier Contemporain - Ecole Supérieure des Beaux Arts (MO.CO. Esba) inaugurated a new program dedicated to its recent graduates (within the last 3 years).
After being graduated with their Diplôme National Supérieure d’Expression Plastique (DNSEP - or French Master degree equivalent), former students are invited to apply for the SEASON 6 programme in which 6 chosen artists (after a selection board) are given the opportunity to develop their practices for a period of one year. This opportunity takes shape in the form of three residencies organised in relation to major biennales or international exhibition programmes. Each residency is structured in two stages: first a professional immersion during the setup of the exhibition (working with the artists, curators, and managerial teams), then a second time that allows participants to develop their own exhibition project in parallel with the official biennale program. Thus, the 6 young artists have the occasion to develop their professional networks while being immersed within major events of the contemporary art world. The programme revolves around the participation in biennales and important exhibition partnerships with MO.CO.
For the year 2018/2019, SAISON.6 first edition took place in the Biennial of Kochi-Muziris (India), the Venice Biennial (Italy) and the Biennial of Istanbul (Turkey). The SAISON.6 vol 2 project was initially planned during 2019/2020. Because of the world pandemic, the whole project needed to be modified and will be realised in 2021. Our new partners for the second opus will be the Liverpool Biennial of Contemporary Art, the International Biennial of Casablanca (Marocco) and the Biennial of Habana (Cuba). For the SAISON.6 vol 2, the 6 awards winners are: Paul Dubois, Alice Fleury, Inhee Ma, Pierre Pérès, Clémentine Poirier and Gaëtan Vaguelsy.
The overall structure of the programme involves a final presentation where participants have a diverse range of options to present their work: exhibitions, conferences, talks, and publishing.
En 2018 - 2019, Montpellier Contemporain - Ecole Supérieure des Beaux Arts (MO.CO. Esba) inaugurait un nouveau programme dédié à ses jeunes diplômés (depuis moins de 3 ans). Après avoir obtenu leur Diplôme National Supérieur d'Expression Plastique (DNSEP), les anciens étudiants sont invités à postuler pour le programme SAISON.6 dans lequel 6 artistes sélectionnés (après un jury) ont l'opportunité de développer leurs pratiques pendant une période d'un an. Cette opportunité prend la forme de trois résidences organisées en relation avec de grandes biennales ou des programmes d'expositions internationales. Chaque résidence est structurée en deux étapes : d'abord une immersion professionnelle pendant le montage de l'exposition (travail avec les artistes, les commissaires et les équipes de gestion), puis une seconde fois qui permet aux participants de développer leur propre projet d'exposition en parallèle avec le programme officiel de la biennale.
Ainsi, les 6 jeunes artistes ont l'occasion de développer leurs réseaux professionnels tout en étant immergés au sein des grands événements du monde de l'art contemporain.
Le programme s'articule autour de la participation à des biennales et d'importants partenariats d'exposition avec MO.CO. Pour l'année 2018/2019, la première édition de SAISON.6 a eu lieu à la Biennale de Kochi-Muziris (Inde), à la Biennale de Venise (Italie) et à la Biennale d'Istanbul (Turquie). Le projet SAISON.6 vol 2 était initialement prévu pour l'année 2019/2020. En raison de la pandémie mondiale, l'ensemble du projet a dû être modifié et sera réalisé en 2021. Nos nouveaux partenaires pour le deuxième opus seront la Biennale d'art contemporain de Liverpool, la Biennale internationale de Casablanca (Maroc) et la Biennale de La Havane (Cuba).
Pour le SAISON.6 vol 2, les 6 lauréats sont Paul Dubois, Alice Fleury, Inhee Ma, Pierre Pérès, Clémentine Poirier et Gaëtan Vaguelsy.
La structure générale du programme prévoit une présentation finale où les participants ont un éventail d'options pour présenter leur travail : expositions, conférences, exposés et publications.
Location: La Ferme du Buisson, Noisiel
Location: La Ferme du Buisson, Noisiel
Supported Artists : Fiona Banner, Pavel Büchler, Mathieu Copeland, Tim Etchells, Liam Gillick, Anthea Hamilton, Ghislaine Leung, David Medalla, Florence Peake, Susan Stenger
Artistes soutenus : Fiona Banner, Pavel Büchler, Mathieu Copeland, Tim Etchells, Liam Gillick, Anthea Hamilton, Ghislaine Leung, David Medalla, Florence Peake, Susan Stenger
Category: Group Exhibition
Catégorie: Group Exhibition
Dates: 5 juin 2021
Dates: 5 juin 2021
Pursuing his research into the inherent nature of exhibitions, British curator Mathieu Copeland transposes his subject to the stage. Real, oneiric or lost to view, each ‘exhibit’ – specifically composed for A Staged Exhibition – is interpreted, read or performed by an actor accompanied by Susan Stenger's intense musical score, Gaylen Gerber's backdrop, and mise-en-scene by visionnary British stage director Tim Etchells. These works – existing only through their interpretations – thus reveal their individual sensibilities through their use of word and gesture.
Mathieu Copeland and Tim Etchells began an extended collaboration when Etchells opened and closed A Choreographed Exhibition, the festival curated by Mathieu Copeland in 2013 at La Ferme du Buisson in Noisiel, France, and followed up with a contribution to the book-manifesto Choreographing Exhibitions (Les presses du réel, 2013). Most recently Copeland and Etchells have been working together on the writing of A Staged Exhibition, adhering to the framework, rules and customs of a theatre whose ropes Etchells has thoroughly mastered, notably as artistic director of the company Forced Entertainment. We see here a return to a methodology already explored in Copeland’s The Exhibition of a Film (2015), when Etchells wrote the dramaturgy for a non-narrative film: "As we blended them together, the materials of the different contributors found echoes in those of someone else. Something was always happening without our knowing in advance exactly what it was."
Within the space-time parameters of theatre, Copeland and Etchells articulate the works in relation to each other, confronting their singularity and envisaging their interpretation – oral, vocal, bodily – with the actor. A group exhibition where artists including – subject to confirmation – Robert Barry, Luis Camnitzer, Giovanna, Joseph Grigely, David Medalla, Michael Portnoy and Mario Garcia Torres, Laetitia Sadier, Nora Turato, Anthea Hamilton, Franck Leibovici, Liam Gillick, Douglas Coupland, Pavel Büchler, Florence Jung, Swetlana Heger, Florence Peake, Fiona Banner, …, or again Ghislaine Leung (cf. British Visual Artists Biographies – it is worth noting that a large proportion of the artists considered in this application are British or chose the UK has their home, including Stenger, Etchells and Copeland) were invited to write or describe a work to be interpreted in A Staged Exhibition. In the course of three hours an actor or actress will perform some twenty works by international artists of different generations, literally exposing a tableau vivant.
For the first time in his career, in a minimalist setting with light playing a significant part, American artist Gaylen Gerber, rarely shown in France, is creating a work in a theatrical context. Invited to reinterpret the potential of the backcloth, he is pursuing a line of exploration begun decades ago in a series titled Backdrops: fitted to the walls of the exhibition spaces, these works draw attention both to themselves and to their presentation. Highlighting both the physical space of the exhibition and the metaphorical space of the institution, Gerber takes an ongoing look at the autonomy (or lack of) of each and every work of art.
As for sound, Mathieu Copeland once more invited British-American musician and composer Susan Stenger, whose practice likewise transcends accepted borders. With a common interest in the notion of structure and layout going back to their first collaboration – Soundtrack for an Exhibition in 2006 at the MAC in Lyon, France that Copeland curated – they share a way of working Stenger sums up as follows: "I always try to work with elements from different sources and to process, reorganise and respond to them in such a way that they can grow and flourish into something new and innovative. The essence of these elements already exists, but the resulting form can be very different." Specifically intended to accompany A Staged Exhibition and made up of pieces played live and prerecorded, Stenger's original composition resonates or dissonates with the exhibition being played in parallel, offering, as it were, a sound exhibition within a staged exhibition.
Poursuivant ses recherches sur la nature inhérente des expositions, le commissaire britannique Mathieu Copeland transpose son sujet à la scène. Réelle, onirique ou perdue de vue, chaque "exposition" - spécifiquement composée pour A Staged Exhibition - est interprétée, lue ou jouée par un acteur accompagné par la partition musicale intense de Susan Stenger, la toile de fond de Gaylen Gerber et la mise en scène du metteur en scène britannique visionnaire Tim Etchells. Ces œuvres - qui n'existent que par leurs interprétations - révèlent ainsi leurs sensibilités individuelles par leur utilisation du mot et du geste.
Mathieu Copeland et Tim Etchells ont entamé une collaboration étendue lorsque Etchells a ouvert et clôturé A Choreographed Exhibition, le festival organisé par Mathieu Copeland en 2013 à la Ferme du Buisson à Noisiel, en France, et a poursuivi avec une contribution au livre-manifeste Les presses du réel (2013). Plus récemment, Copeland et Etchells ont travaillé ensemble à l'écriture de A Staged Exhibition, en adhérant au cadre, aux règles et aux usages d'un théâtre dont Etchells maîtrise parfaitement les ficelles, notamment en tant que directeur artistique de la compagnie Forced Entertainment. Nous voyons ici un retour à une méthodologie déjà explorée dans The Exhibition of a Film de Copeland (2015), lorsque Etchells a écrit la dramaturgie d'un film non narratif : "En les mélangeant, les matériaux des différents contributeurs ont trouvé un écho dans ceux de quelqu'un d'autre. Il se passait toujours quelque chose sans que nous sachions à l'avance ce que c'était exactement".
Dans les paramètres spatio-temporels du théâtre, Copeland et Etchells articulent les œuvres les unes par rapport aux autres, confrontant leur singularité et envisageant leur interprétation - orale, vocale, corporelle - avec l'acteur. Une exposition de groupe où des artistes tels que - sous réserve - Robert Barry, Luis Camnitzer, Giovanna, Joseph Grigely, David Medalla, Michael Portnoy et Mario Garcia Torres, Laetitia Sadier, Nora Turato, Anthea Hamilton, Franck Leibovici, Liam Gillick, Douglas Coupland, Pavel Büchler, Florence Jung, Swetlana Heger, Florence Peake, Fiona Banner, ..., ou encore Ghislaine Leung (cf. British Visual Artists Biographies - il convient de noter qu'une grande partie des artistes pris en considération dans cette candidature sont britanniques ou ont choisi le Royaume-Uni comme pays d'origine, notamment Stenger, Etchells et Copeland) ont été invités à écrire ou à décrire une œuvre qui sera interprétée dans le cadre d'une exposition mise en scène. Pendant trois heures, un acteur ou une actrice interprétera une vingtaine d'œuvres d'artistes internationaux de différentes générations, exposant littéralement un tableau vivant.
Pour la première fois de sa carrière, dans un cadre minimaliste où la lumière joue un rôle important, l'artiste américain Gaylen Gerber, rarement montré en France, crée une œuvre dans un contexte théâtral. Invité à réinterpréter le potentiel de la toile de fond, il poursuit une ligne d'exploration entamée il y a plusieurs décennies dans une série intitulée Backdrops : fixées aux murs des espaces d'exposition, ces œuvres attirent l'attention à la fois sur elles-mêmes et sur leur présentation. Mettant en évidence à la fois l'espace physique de l'exposition et l'espace métaphorique de l'institution, Gerber porte un regard permanent sur l'autonomie (ou l'absence d'autonomie) de chacune des œuvres d'art.
Quant au son, Mathieu Copeland a de nouveau invité la musicienne et compositrice britanno-américaine Susan Stenger, dont la pratique dépasse elle aussi les frontières acceptées. Avec un intérêt commun pour la notion de structure et d'agencement remontant à leur première collaboration - Bande sonore d'une exposition en 2006 au MAC de Lyon, France dont Copeland était le commissaire - ils partagent une façon de travailler que Stenger résume ainsi : "J'essaie toujours de travailler avec des éléments provenant de différentes sources et de les traiter, les réorganiser et y répondre de manière à ce qu'ils puissent se développer et s'épanouir en quelque chose de nouveau et d'innovant. L'essence de ces éléments existe déjà, mais la forme qui en résulte peut être très différente". Spécifiquement destinée à accompagner une exposition mise en scène et composée de pièces jouées en direct et préenregistrées, la composition originale de Stenger résonne ou dissonne avec l'exposition jouée en parallèle, offrant en quelque sorte une exposition sonore au sein d'une exposition mise en scène.
lafermedubuisson.com
lafermedubuisson.com
Nicolas Deshayes
Nicolas Deshayes
Location: Le Creux de l'Enfer, Thiers
Location: Le Creux de l'Enfer, Thiers
Supported Artist: Nicolas Deshayes
Artiste soutenu: Nicolas Deshayes
Category: Creative residency and monographic exhibitions of Nicolas Deshayes at the Creux de l'enfer, a contemporary art centre of national interest in Thiers and at the FRAC Grand Large in Dunkirk.
Catégories: Résidence et expositions monographiques de Nicolas Deshayes au Creux de l'enfer, centre d'art contemporain d'intérêt national à Thiers et au FRAC Grand Large à Dunkerque.
Dates: Residence [10 April 2021 - January 2022] Exhibitions [1 July - 27 September 2021]
Dates: Résidence [10 avril 2021 - janvier 2022] Expositions [1er juillet - 27 septembre 2021]
Nicolas Deshayes was born in France but has lived in the UK since childhood. He studied in London and then developed his artistic career in the UK where he has exhibited widely in public institutions and galleries.
While Nicolas Deshayes' work is well recognised in England, the project developed by Creux de l'Enfer and FRAC Grand-Large aims to give him national visibility through two major monographic exhibitions in France, marking his debut solo exhibition in his home country.
These two exhibitions are being developed in partnership and will focus on different aspects of his practice, offering him two distinct opportunities. The first at Creux de l'Enfer (Auvergne) will focus on the production of new works, while the second at FRAC Grand Large (Dunkirk) will be an ambitious overview of his work to date.
The project at Creux de l'Enfer is based on the production of new sculptures that will emerge from a research residency programme at the Cartolux company, which specialises in the manufacture of forms for the medical and prosthetic sector. Here the artist wishes to explore the relationship between the physical body and the digital body by creating two new series of works that combine the artisanal technique of lost wax casting in a foundry with the digital production of machined components that are the signature of the factory's production methods.
A series of sculptures will take the form of voluptuous specimens that explore the surface of the skin on a macro level, representing the epidermal reactions between flesh and hair in hard metal. A second series of works, which considers the body as a mechanical entity, will be created using the factory's 3D machining technology.
This new work will be presented in dialogue with Deshayes' series of sculpted fountains. These will divert the course of the river on which the Art Centre is built to create a pulsating circulatory system that brings together all the works in the exhibition.
The second exhibition at the FRAC Grand Large, in Dunkirk, is presented as a study exhibition of Deshayes' works from the last ten years. It will present a selection of works that highlight the extent of his practice and his experimental approach to materials. A series of cast iron radiator sculptures (Thames Water, 2016) will serve as the central artery for the presentation of other works where sculptures in ceramic, cast aluminium, vitreous enamel, vacuum-formed plastic and bronze will be presented in a non-chronological scenography.
Nicolas Deshayes est né en France mais vit au Royaume-Uni depuis son enfance. Il a étudié à Londres et a ensuite développé sa carrière artistique au Royaume-Uni où il a largement exposé dans des institutions publiques et des galeries.
Si le travail de Nicolas Deshayes est bien reconnu en Angleterre, le projet développé par le Creux de l'Enfer et le FRAC Grand-Large vise à lui donner une visibilité nationale à travers deux grandes expositions monographiques en France, marquant ses débuts d'exposition personnelle dans son pays d'origine.
Ces deux expositions sont développées en partenariat et porteront sur différents aspects de sa pratique, lui offrant ainsi deux opportunités distinctes. La première au Creux de l'Enfer (en Auvergne) sera centrée sur la production de nouvelles œuvres, tandis que la seconde au FRAC Grand Large (Dunkerque) sera un ambitieux tour d'horizon de son travail à ce jour.
Le projet au Creux de l'Enfer est basé sur la production de nouvelles sculptures qui naîtront d'un programme de résidence de recherche à la société Cartolux, qui est spécialisée dans la fabrication de formes pour le secteur médical et prothétique. L'artiste souhaite ici explorer la relation entre le corps physique et le corps numérique en créant deux nouvelles séries d'œuvres qui mêlent la technique artisanale du moulage à la cire perdue en fonderie à la production numérique de composants usinés qui sont la signature des méthodes de production de l'usine.
Une série de sculptures prendra la forme de spécimens voluptueux qui explorent la surface de la peau au niveau macro, représentant les réactions épidermiques entre la chair et les cheveux dans le métal dur. Une deuxième série d'œuvres, qui considère le corps comme une entité mécanique, sera réalisée à l'aide de la technologie d'usinage en 3D de l'usine.
Ce nouveau travail sera présenté en dialogue avec la série de fontaines sculptées de Deshayes. Celles-ci dévieront le cours de la rivière sur laquelle le Centre d'art est construit pour créer un système circulatoire pulsé qui réunit toutes les œuvres de l'exposition.
La deuxième exposition du FRAC Grand Large, à Dunkerque, se présente comme une exposition d'étude des œuvres de Deshayes des dix dernières années. Il y présentera une sélection d'œuvres qui mettent en évidence l'étendue de sa pratique et son approche expérimentale des matériaux. Une série de sculptures de radiateurs en fonte (Thames Water, 2016) servira d'artère centrale pour la présentation d'autres œuvres où des sculptures en céramique, fonte d'aluminium, émail vitreux, plastique formé sous vide et bronze seront présentées dans une scénographie non chronologique.
Lab 1 : Tatiana Trouvé
Location: Artangel, Orford Ness
Location: Artangel, London
Supported Artist: Tatiana Trouvé
Artiste soutenue: Tatiana Trouvé
Category: New Commission and group exhibition
Catégorie: Commande et exposition de groupe
Dates: 25.06 - 30.10.2021
Dates: 25.06 - 30.10.2021
Artangel will present a major new site-specific commission, Lab 1 by Tatiana Trouvé on Orford Ness in Suffolk.Trouvé’s commission will be presented alongside a new commission by the Ukrainian/American poet Ilya Kaminsky and an installation of new graphite works by London-based artist Emma McNally, presented on Orford Ness in partnership with the National Trust.Orford Ness is an extraordinary landscape, several miles long, beside the North Sea on the east coast of England. It is both a nature reserve with a unique eco-system and the site of a dark history. Known locally as the island of secrets, the coastal landscape was used as a test site through two World Wars and the Cold War from the 1950s-1980s, including long-range radio beacons, early experiments with radar and new weapons and communications systems. Abandoned structures scattered across the landscape attest to its ominous history.Inspired by this history, Tatiana Trouvé will realise a new sculptural installation in Lab 1, a derelict structure built in the 1960s for weapons testing, now open to the elements, overgrown with vegetation and partly under water. Within this ruin Trouvé will install a constellation of sculptural objects that are vestiges of a community that once found refuge in the building. Scattered across the water-logged interior, the sculptures resemble (but don’t imitate) familiar, functional objects, such as blankets and chairs, books and recording equipment. Most of the objects are cast in concrete or metal, some carved in stone, the surfaces reworked by hand. Diagrams of geological, ecological or mapping systems are embedded into the surface of the blankets, appearing to connect them to the immediate environment of Orford Ness. Shifting the familiar into unstable territory, Trouvé’s uncanny ensembles are triggers for the imagination. Is this the scene of a mysterious disaster or a traumatic memory? The work Trouvé has conceived for Orford Ness oscillates between the real, the imaginary and the phantasmic. Tatiana Trouvé is one of the leading French artists of her generation, admired for complex sculptural ensembles and large-scale drawings. In 2022, a retrospective of her work will be presented at the Centre Georges Pompidou in Paris, and a major new commission will be presented at the Pinault Collection in the Bourse de Commerce, Paris. Artangel commission is a rare opportunity to see her work in the UK next year. Her only solo exhibition to date in the UK was presented at the South London Gallery in London in 2010.
Lab 1 will be accessible to the public throughout the summer. After a 2-minute boat trip from the village of Orford to the peninsula, visitors will be able to explore the landscape and structures on Orford Ness and discover Trouvé’s installation in Lab 1.
L'installation de Tatiana Trouvé sera présentée aux côtés d'une nouvelle commande du poète ukrainien/américain Ilya Kaminsky et d'une installation de nouvelles œuvres au graphite de l'artiste londonienne Emma McNally, présentées sur Orford Ness en partenariat avec le National Trust. Orford Ness est un paysage extraordinaire, de plusieurs kilomètres de long, situé au bord de la mer du Nord sur la côte est de l'Angleterre. C'est à la fois une réserve naturelle avec un écosystème unique et le site d'une sombre histoire. Connu localement comme l'île des secrets, le paysage côtier a servi de site d'essai pendant les deux guerres mondiales et la guerre froide des années 1950-1980, notamment pour les radiobalises à longue portée, les premières expériences de radar et les nouveaux systèmes d'armes et de communication. Inspirée par cette histoire, Tatiana Trouvé réalisera une nouvelle installation sculpturale dans le Lab 1, une structure abandonnée construite dans les années 1960 pour des tests d'armes, maintenant envahie par la végétation et partiellement immergée. Dans cette ruine, Trouvé installera une constellation d'objets sculpturaux qui sont les vestiges d'une communauté ayant trouvé refuge dans le bâtiment. Dispersées à l'intérieur, les sculptures ressemblent (mais n'imitent pas) des objets familiers et fonctionnels, tels que des couvertures et des chaises, des livres et du matériel d'enregistrement. La plupart des objets sont coulés dans du béton ou du métal, certains sont sculptés dans la pierre, les surfaces étant retravaillées à la main. Des diagrammes de systèmes géologiques, écologiques ou cartographiques sont incrustés dans la surface des couvertures, semblant les relier à l'environnement immédiat d'Orford Ness. Déplaçant le familier en territoire instable, les étranges ensembles de Trouvé sont des déclencheurs pour l'imagination. S'agit-il de la scène d'une mystérieuse catastrophe ou d'un souvenir traumatisant ? L'œuvre que Trouvé a conçue pour Orford Ness oscille entre le réel, l'imaginaire et le fantasmatique. Tatiana Trouvé est l'une des principales artistes françaises de sa génération, admirée pour ses ensembles sculpturaux complexes et ses dessins à grande échelle. En 2022, une rétrospective de son travail sera présentée au Centre Georges Pompidou à Paris, et une nouvelle commande importante sera présentée à la Collection Pinault à la Bourse de Commerce, Paris. La commande d'Artangel est une occasion rare de voir son travail au Royaume-Uni l'année prochaine. Sa seule exposition personnelle à ce jour au Royaume-Uni a été présentée à la South London Gallery à Londres en 2010.
Le laboratoire 1 sera accessible au public tout au long de l'été. Après un voyage en bateau de 2 minutes du village d'Orford à la péninsule, les visiteurs pourront explorer le paysage et les structures de l'Orford Ness et découvrir l'installation de Trouvé dans le Lab 1.
My Immortal: Tarek Lakhrissi
My Immortal: Tarek Lakhrissi
Location: MOSTYN, Llandudno
Location: MOSTYN, Llandudno
Supported Artist: Tarek Lakhrissi
Artiste soutenu: Tarek Lakhrissi
Category: Solo Exhibition
Catégorie: Solo Exhibition
Dates: 08.05 - 15.08.2021
Dates: 08.05 - 15.08.2021
MOSTYN is thrilled to present the first UK institutional solo exhibition by Tarek Lakhrissi. This new commission consists of existing and new work and comprises film, sculpture, text and performance creating a multi-dimensional installation across the gallery spaces. Rooted in poetry, Lakhrissi's practice seeks to challenge contemporary constructs of language and identity formation. The exhibition takes the poem Paradise Lost by 17th century English poet John Milton as a starting point to reflect upon the notion of community. In light of the disintegration of social cohesion brought on by current crises from the Covid-19 pandemic to the growth of far-right populism, this new body of work reflects on what constitutes a community, particularly a queer community. It considers the notion of community as a complex entity: one that offers both the possibilities of love, empowerment and protection but also nightmares, traumas and fears. Milton's Paradise Lost becomes an anchor to reflect such tensions: the possibility of a community that offers paradisiac solace yet through its fragilities can be easily lost.In the first two galleries, large-scale photographs are presented on the walls. Some of these show Api, a friend of Lakhrissi, standing in the middle of a small forest, on the outskirts of Sydney, Australia. Api, like a Venus, stands fearless in the middle of a path and is immortalised through the photograph. The remaining galleries present extracts of poems written by Lakhrissi, painted on the walls as murals these serve as a backdrop for several sculptures which pepper the space.The installation becomes a battle ground, a metaphor for notions of defense and of self-defense to help queer communities of colour to fight back against today's societal violences, and in so doing, a symbol of love and of self-love.
MOSTYN présente la première exposition individuelle institutionnelle britannique de Tarek Lakhrissi. Cette nouvelle commande se compose d'œuvres existantes et nouvelles pièces, elle comprend des films, des sculptures, des écrits et une performance, pour créer une installation multidimensionnelle à travers les espaces de la galerie. Ancrée dans la poésie, la pratique de Lakhrissi cherche à remettre en question les constructions contemporaines du langage et la formation de l'identité. L'exposition prend le poème Paradis Perdu du poète anglais du 17e siècle John Milton comme point de départ pour réfléchir à la notion de communauté. À la lumière de la désintégration de la cohésion sociale provoquée par les crises actuelles, de la pandémie de Covid-19 à la croissance du populisme d'extrême droite, ce nouveau corpus d'œuvres réfléchit sur ce qui constitue une communauté, en particulier la communauté homosexuelle. Il considère la notion de communauté comme une entité complexe : une entité qui offre à la fois des possibilités d'amour, d'autonomisation et de protection, mais aussi des cauchemars, des traumatismes et des peurs. Le Paradis Perdu de Milton devient un point d'ancrage pour refléter ces tensions : la possibilité d'une communauté qui offre un réconfort paradisiaque tout en étant fragile peut être facilement perdue. Certaines d'entre elles montrent Api, un ami de Lakhrissi, debout au milieu d'une petite forêt, dans la banlieue de Sydney, en Australie. Api, comme une Vénus, se tient sans peur au milieu d'un chemin et est immortalisé par la photographie. L'installation devient un champ de bataille, une métaphore des notions de défense et d'autodéfense pour aider les communautés homosexuelles de couleur à lutter contre les violences sociétales actuelles, et ce faisant, un symbole d'amour et d'auto-amour.
A Tender Ascent : Maeva Berthelot and Coby Sey
A Tender Ascent : Maeva Berthelot and Coby Sey
Location: Wysing Art Centre, Cambridge
Location: Wysing Art Centre, Cambridge
Supported Artists: Maeva Berthelot
Artiste soutenue : Maeva Berthelot
Category: Residency, film and live performance
Catégorie: Résidence et exposition
Dates: 20.01 - 18.04.2021
Dates: 20.01 - 18.04.2021
The residency at Wysing Arts Centre will allow Berthelot and Sey to work on the sound and editing of A Tender Ascent (film) and production of two exhibitions. Berthelot and Sey will work in Wysing’s gallery, using the space for rehearsals, production and eventually the exhibition. They will work with French producer and engineer Charlotte Poulet on the sound of the film and editor Geoffrey Taylor on the editing, making use of Wysing’s recording studio and editing suite.
The key output for the project will be a high-quality production of A Tender Ascent (film). Berthelot and Sey have gathered hours of footage and sound from their first residency at Wysing and plan to work through this to produce a moving image work that can function as both the centerpiece in the onsite and online exhibitions, but also a standalone moving image work that can tour and be entered into film festivals and screening programmes alike. Although best known for their work in other media, both Berthelot and Sey have extensive experience of working in moving image. This, however, will be their most ambitious moving image work to date and will represent a significant step change in their practice.
The immersive 360-degree exhibition in Wysing’s public gallery will consist of new musical compositions, projection, lighting and sculpture and will have the new, moving image work, A Tender Ascent (film) as its centerpiece. Staged in the same space used for rehearsals and filming, the onsite exhibition will cast visitors as performers in the work, further exploring A Tender Ascent’s themes of dissolving hierarchies.
The online exhibition will rework the moving image work for online viewing and will offer a virtual tour of the onsite exhibition. Working with Wysing’s digital producer, Berthelot and Sey will film a ‘google street view’ style walkthrough of the exhibition, allowing remote and digital audiences to explore at their leisure. The online exhibition will also present a high-quality online stream of A Tender Ascent (film).
La résidence au Wysing Arts Centre permettra à Berthelot et Sey de travailler sur le son et le montage de A Tender Ascent (film) et la production de deux expositions. Berthelot et Sey travailleront dans la galerie de Wysing, utilisant l'espace pour les répétitions, la production et finalement l'exposition. Ils travailleront avec la productrice française Charlotte Poulet sur le son du film et le monteur Geoffrey Taylor, en utilisant le studio d'enregistrement de WAC.
Le projet principal consiste en une production de haute qualité de A Tender Ascent (film). Berthelot et Sey ont rassemblé des heures d'images et de son de leur première résidence à Wysing et prévoient de travailler sur cette base pour produire une œuvre filmique qui pourra servir à la fois de pièce maîtresse dans les expositions sur place et en ligne, mais aussi d'œuvre en mouvement autonome qui pourra être présentée en tournée et inscrite dans les festivals de cinéma et autres programmes artistques. Bien qu'ils soient surtout connus pour leur travail dans d'autres médias, Berthelot et Sey ont tous deux une grande expérience du travail sur l'image en mouvement. Il s'agira de leur travail le plus ambitieux à ce jour dans le domaine de l'image en mouvement et cela représentera un changement important dans leur pratique.
L'exposition immersive à 360 degrés dans la galerie publique de Wysing comprendra de nouvelles compositions musicales, des projections, des sculptures et aura pour pièce maîtresse A Tender Ascent (film). Mise en scène dans le même espace que celui utilisé pour les répétitions et le tournage, l'exposition proposera aux visiteurs de se faire interprètes de l'œuvre, explorant ainsi le thème de A Tender Ascent, à savoir la dissolution des hiérarchies.
L'exposition en ligne retravaillera l'œuvre en images animées pour une visualisation en ligne et proposera une visite virtuelle de l'exposition. En collaboration avec le producteur numérique de Wysing, Berthelot et Sey filmeront une visite guidée de l'exposition dans le style "google street view", permettant aux publics distants d'explorer l'exposition à leur guise. L'exposition en ligne présentera également un flux en ligne de haute qualité de A Tender Ascent (film).
wysingartscentre.org
wysingartscentre.org
Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2021
Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2021 à The Photographers' Gallery
Location: The Photographers' Gallery, London
Location: The Photographers' Gallery, London
Supported Artist: Zineb Sedira
Artiste soutenue: Zineb Sedira
Category: Solo Exhibition
Catégorie:Exposition de groupe
Dates: 19.03 – 27.06.2021
Dates: 19.03 – 27.06.2021
Zineb Sedira has been nominated for her exhibition A Brief Moment at Jeu de Paume, Paris (15 October 2019 – 19 January 2020).
Zineb Sedira (b. 1963, Paris, France, based in London) works across photography, installation and film to create powerful immersive projects that tackle the universally resonant themes of identity, mobility, gender and environment. Marking her first major retrospective in Paris, A Brief Moment spans a period from 1998 to the present day and focuses on Sedira’s use of archives to explore the function and impact of images to (re-) construct meaning through a process of collecting and exhibiting.
Frequently combining the personal with the globally political, Sedira uses the lens of her own family history, closely linked to that of Algiers, France and the UK, to form collective narratives that testify to the experience of people living between different cultures.
Sedira’s projects are rich with metaphors and constantly shifting between a layered portrait of the artist and a broader reflection on memory, culture and belonging. The piece Standing Here Wondering Which Way to Go, invited visitors into a set of Sedira’s living room as a way of foregrounding the influence of the 1969 Pan-African Festival of Algiers and the revolutionary movements of the 1960s and 1970s. Similar to her video work these personal installations are inspired by the idealism of a multi-cultural world forged in the counterculture movements of this era, juxtaposed against the repercussions of geopolitical and industrial changes that occurred in the later 20th and early 21st century.
Zineb Sedira a été nommée pour son exposition L'espace d'un instant au Jeu de Paume, Paris, soutenue par Fluxus Art Projects (15 octobre 2019 - 19 janvier 2020).
Zineb Sedira (née en 1963, Paris, France, basée à Londres) utilise le medium photographique, le film et la recherche d'archives, pour créer des projets immersifs puissants qui abordent les thèmes universellement résonnants de l'identité, de la mobilité, du genre et de l'environnement. Marquant sa première grande rétrospective à Paris, L'espace d'un instant s'étend sur une période allant de 1998 à nos jours et se concentre sur l'utilisation que fait Sedira des archives pour explorer la fonction et l'impact des images afin de (re)construire un sens à travers un processus de collecte et d'exposition.
Combinant fréquemment ce qui q trait au personnel et à la politique globale, Sedira utilise sa propre histoire familiale, étroitement liée à celle d'Alger, de la France et du Royaume-Uni, pour former des récits collectifs qui témoignent de l'expérience de personnes vivant entre différentes cultures.
Les projets de Sedira sont riches en métaphores et évoluent constamment entre une réflexion sur l'intime et sur la mémoire, la culture et l'appartenance au sens large. La pièce Standing Here Wondering Which Way to Go, invitait les visiteurs à entrer dans un ensemble du salon de Sedira afin de mettre en avant l'influence du Festival panafricain d'Alger de 1969 et les mouvements révolutionnaires des années 1960 et 1970. Tout comme son travail vidéo, ces installations personnelles sont inspirées par l'idéalisme d'un monde multiculturel forgé dans les mouvements de contre-culture de cette époque, juxtaposé aux répercussions des changements géopolitiques et industriels survenus à la fin du 20e et au début du 21e siècle.
HARa!!!!!!hAaaRAAAAA!!!!!hHAaA!!!
HARa!!!!!!hAaaRAAAAA!!!!!hHAaA!!!
Location: CCA Goldsmith, London
Location: CCA Goldsmiths, London
Supported Artist : Mohamed Bourouissa
Artiste soutenu: Mohamed Bourouissa
Category: Solo Exhibition
Catégorie: Exposition personnelle
Dates: 06.03–05.06.2021
Dates: 06.03–05.06.2021
Artist Mohamed Bourouissa (b. 1978, Blida, Algeria) is known for confronting complex socio-economic issues and for seeking out tensions between different social contexts. In-depth research, including long periods of engagement with specific locales and groups, inform works that question collective histories, uses of public space, and representational identities. This solo survey show features new and existing works by Bourouissa across photography, sound, installation and moving image made since 2003, in what will be his first solo show with a UK public institution.
His celebrated work Horse Day (2014-15) is included in the exhibition, and saw the artist live for eight months among a low-income community in North Philadelphia to create an event and film with the horse riders of its urban stables – making, as he terms it, a contemporary American cowboy movie. The charged legacies of colonialism, and contemporary realities of racial and socioeconomic inequality, are present throughout Bourouissa’s work; including the recent Brutal Family Roots (2020), which fuses hip-hop with installation to track patterns of exchange between Britain, Australia, France and Algeria, through the spread of the Acacia tree species.
Throughout his work, Bourouissa builds poetics by examining contemporary society; often documenting disenfranchised groups and individuals who have been “left behind at the crossroads of integration and exclusion”, but who use the tools at their disposal to navigate their situation. For example, a new work HARA!!!!!!hAAARAAAAA!!!!!hHARAAA!!! (2020) abstracts the invented word ‘hara’ used by young lookouts to alert drug dealers of approaching police in Marseilles. The distorted word becomes a sound installation in the vein of concrete poetry.
The presentation of Bourouissa’s work in the context of the gallery brings into relief different circulations of images and their economies. These circuits, their violence and corruptibility, are exploited and disrupted in works such as ALL IN (2012) and Shoplifters (2014). In these, as with all his works, Bourouissa moves between different modes of photographic and filmic techniques with irreverence and instinct. From grainy smartphone images in works like Temps Mort (2008-9) – in which the artist exchanged images, videos and messages with an incarcerated friend – to street photography in Nous Sommes Halles (2003-5), and canonical art historical framings of Parisian street life via Delacroix in the series Périphéries (2006-8); each mode and medium is exploited for its ability to conceptually articulate incisive statements on contemporary image culture and a racialised social fabric of inequality.
L'artiste Mohamed Bourouissa (né en 1978 à Blida, Algérie) est connu pour sa capacité à faire face à des problèmes socio-économiques complexes et à rechercher les tensions entre différents contextes sociaux. Des recherches approfondies, incluant de longues périodes d'engagement avec des lieux et des groupes spécifiques, alimentent des œuvres qui questionnent les histoires collectives, les usages de l'espace public et les identités représentatives. Cette exposition personnelle présente des œuvres nouvelles et existantes de Bourouissa, à travers des photographies, des pièces sonores, des installations et des images en mouvement réalisées depuis 2003, dans ce qui sera sa première exposition personnelle avec une institution publique britannique.
Son célèbre travail Horse Day (2014-15) est inclus dans l'exposition, et résulte d'un séjour de huit mois au sein d'une communauté du nord de Philadelphie pour créer un événement et un film qui présente les cavaliers de ces écuries urbaines - réalisant, comme il le dit, un film américain contemporain de cow-boys. L'héritage chargé du colonialisme et les réalités contemporaines de l'inégalité raciale et socio-économique sont présents dans l'ensemble du travail de Bourouissa, y compris dans le récent Brutal Family Roots (2020), qui fusionne le hip-hop avec l'installation vouée à suivre les schémas d'échange entre la Grande-Bretagne, l'Australie, la France et l'Algérie, grâce à la propagation d'une espèce d'acacia.
Bourouissa construit une poétique en examinant la société contemporaine ; il documente souvent des groupes et des individus privés de leurs droits qui ont été "laissés à la croisée des chemins de l'intégration et de l'exclusion", mais qui utilisent les outils à leur disposition pour naviguer. Son nouveau travail intitulé HARA!!!!!!hAAARAAAAA!!!!!hHARAAA !! (2020) inspiré du mot inventé "hara" utilisé par les jeunes guetteurs pour alerter les trafiquants de drogue de l'approche de la police à Marseille. Le mot déformé devient une installation sonore dans la veine de la poésie concrète.
La présentation du travail de Bourouissa dans le cadre de l'espace d'exposition, met en relief les différentes circulations d'images et leurs économies. Ces circuits, leur violence et leur corruptibilité, sont exploités et perturbés dans des œuvres telles que ALL IN (2012) et Shoplifters (2014). Dans celles-ci, comme dans toutes ses œuvres, Bourouissa passe entre différents modes de techniques photographiques et filmiques avec irrévérence et instinct. Des images granuleuses pour smartphone dans des œuvres comme Temps Mort (2008-9) - dans laquelle l'artiste échange des images, des vidéos et des messages avec un ami incarcéré - à la photographie de rue dans Nous Sommes Halles (2003-5), en passant par les cadrages historiques d'art canonique de la vie de rue parisienne via Delacroix dans la série Périphéries (2006-8), chaque mode et médium est exploité pour sa capacité à articuler conceptuellement des déclarations incisives sur la culture de l'image contemporaine et un tissu social d'inégalité racialisé.
goldsmithscca.art
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MOVE : Vulnerabilities, throwing one's body into the battle
MOVE : Vulnérabilités, jeter son corps dans la bataille
Location: Centre Pompidou, Paris
Institution: Centre Pompidou, Paris
Supported Artist: Cécile B Evans
Artiste soutenue: Cécile B Evans
Category: Festival
Catégorie: Festival
Dates: 18.10 - 08.11.20 (postponed)
Dates: 28.10 - 8.11.20 (reporté)
This season the Move festival, at the intersection of dance, performance and moving images, focuses on the idea of vulnerability as experienced by beings, particularly through their bodies, as a result of work and circumstances, as well as the social or economic systems of our contemporary societies.
Disabled or ageing bodies that run counter to the neoliberal dogma of the high-performance and productive body, often attacked and derided bodies that challenge binary thinking, racialized and endangered bodies: the fourth edition of the Move festival focuses on these bodies, their vulnerability, the way they are seen and the capacities for resistance that they develop in order to free themselves from norms and opinions by developing a power for action.
By highlighting these bodies which are prone to be considered as "failures", whose vulnerability permeates every part of their lives, MOVE questions binary categories such as able-bodied / disabled and explores how trials test contemporary bodies. The idea is, inspired by a quote from Pier Paolo Pasolini to "throw one's body into the battle", as urged by Raimund Hoghe, to whom Vidéodanse devotes a focus by presenting a number of his choreographic creations.
A high point of the 2020 edition, the British artist Cécile B. Evans proposes a readaptation of Giselle, the classical ballet, and a powerful reinterpretation of this work that is emblematic of the straight-laced academicism of the 19th century, restoring true power of action to Giselle.
Through the visual force of her graphical creations and performances, Nora Turato, the artist and performance artist, evokes the anxiety and agitation of our contemporary life and reveals its fragility and its doubts.
Rory Pilgrim, the British film director, explores through Software Garden, a musical album he composed, the links between technology, disability and care. Here the image of the garden both as a place of care and as a political framework for bringing people together.
Vidéodanse proposes a focus around the figure of Raimund Hoghe, the German choreographer, whose work has often consisted in playing his own body, at the antipodes of that of the classical dancer. The selection of films also presents Lisa Bufano, the disabled choreographer, along with Anna Halprin's and Alain Buffard's works around illness and elderly people. .
A programme of indoor performances with Sorour Darabi, Pauline L. Boulba, Rory Pilgrim, Ndayé Kouagou and Christelle Oyiri, extends the theme, respectively, to Shiite commemorative rituals and the representation of emotions, encounters and personal revelations, the practice of care, the acceptance of queer and minority theories, and the rest that is essential for vulnerable persons.
La thématique de la quatrième édition de MOVE, festival à l’intersection de la danse, la performance et l’image en mouvement, se concentre sur la notion de vulnérabilité vécue par les êtres et plus particulièrement au travers de leurs corps, du fait des modalités de vie et de travail ainsi que des dispositifs sociaux ou économiques de nos sociétés contemporaines.
Corps handicapés ou corps vieillissant qui vont à l’encontre du dogme néolibéral du corps performant et productif, corps défiant les binarités souvent attaqués et méprisés, corps racisés mis en danger, il sera question de ces corps en vulnérabilité, du regard que l’on porte sur eux et des capacités de résistance qu’ils développent pour s’émanciper des normes et des regards en développant une puissance d’agir.
En mettant en lumière ces corps susceptibles d’être considérés « en échec » dont la vulnérabilité imprègne chaque élément de leur vie, MOVE questionne les catégories binaires habituelles telles que valide/non valide et explore la manière dont les épreuves mettent en jeu le corps contemporain. Il s’agit alors, s’inspirant d’une citation de Pier Paolo Pasolini de «jeter son corps dans la bataille» comme le souligne Raimund Hoghe, auquel Vidéodanse consacre un focus en présentant un ensemble de ses créations chorégraphiques.
Temps fort de l’édition 2020, l’artiste Cécile B. Evans propose une réadaptation du ballet classique de Giselle et une relecture puissante de cette œuvre symbolique de l’académisme corseté du 19e siècle en redonnant à Giselle une véritable puissance d’agir.
À travers la force visuelle de ses créations graphiques et de ses performances, Nora Turato évoque l’anxiété et l’agitation de nos vies contemporaines en en révélant ses fragilités et ses doutes.
À travers un album musical qu’il a composé Software Garden, Rory Pilgrim explore les liens entre technologie, handicap et care et conçoit l’image du jardin comme lieu tout à la fois de soin et comme cadre politique pour réunir ensemble les personnes.
Vidéodanse propose un focus autour de la figure du chorégraphe allemand Raimund Hoghe dont le travail a souvent consisté à jouer de son propre corps aux antipodes de celui du danseur classique. La sélection de films présente également la chorégraphe handicapée Lisa Bufano ainsi que les travaux autour de la maladie et des personnes âgées d’Anna Halprin et d’Alain Buffard.
Un programme de performances en salle avec Sorour Darabi, Pauline L. Boulba, Rory Pilgrim, Ndayé Kouagou et Christelle Oyiri prolonge la réflexion autour respectivement de rituels commémoratifs chiites et la représentation des émotions, de rencontres et de révélations intimes, de la pratique du care, des remise en cause des théories queer et minoritaires et du repos essentiel aux personnes vulnérables.
Location: Mo.Co, Montpellier
Institution: Mo.Co, Montpellier
Artists: Eloise Hawser
Artiste soutenue: Eloise Hawser
Category: Group Exhibition
Catégorie: Exposition de groupe
Dates: 01.02 - 30.08.20
Dates: 01.02 - 30.08.20
The Permafrost exhibition presents itself as a changing landscape, transforming the art center into an immersive experience. The artists offer artworks, improbable relics and hybrid objects, linked to natural, social or political disasters resulting from global climate change. Visitors are confronted with the vulnerability of a changing world.
Conceived as a metaphor for current or imminent crises, the thawing permafrost serves as the anchor of the exhibition. It is explored as a complex phenomenon, carrying at once danger and potential.
Permafrost explores more specifically how these current systems (ecosystems, capitalist systems and symbolic systems) adapt and transform in an uncontrollable and unstable morphogenesis. The works engage in the creation of the now as the future and generate a reality and a science-fiction. They also ask the question: which symbols, forms and myths will still exist when known systems collapse, landscapes crumble, and cycles go out of sync ?
The artists in Permafrost appropriate and invent different aesthetic, formal and narrative regimes. In blurring the boundaries between distant past and near future, geological eras and production chains, they seek to develop aesthetic systems that meet the challenges of our time, that are forms of resistance.
Resonating with the 16th Istanbul Biennal The 7th continent, curated by Nicolas Bourriaud, Permafrost brings together installations, sculptures, videos and drawings, many of which were co-produced by MO.CO. Panacée and the Istanbul Biennal.
The artists of the exhibition :
Deniz Aktaş, Ozan Atalan, Nina Beier, Dora Budor, Rochelle Goldberg, Eloise Hawser, Max Hooper Schneider, Nicolas Lamas, Pakui Hardware, Michael E. Smith, Laure Vigna.
L'exposition Permafrost se présente comme un paysage changeant, transformant le centre d'art en une expérience immersive. Les artistes proposent des œuvres d'art, des reliques improbables et des objets hybrides, liés à des catastrophes naturelles, sociales ou politiques résultant du changement climatique global. Les visiteurs sont confrontés à la vulnérabilité d'un monde en mutation.
Conçu comme une métaphore des crises actuelles ou imminentes, le dégel du pergélisol sert de point d'ancrage à l'exposition. Il est exploré comme un phénomène complexe, porteur à la fois de danger et de potentiel.
Permafrost explore plus spécifiquement comment ces systèmes actuels (écosystèmes, systèmes capitalistes et systèmes symboliques) s'adaptent et se transforment en une morphogenèse incontrôlable et instable.Les œuvres s'engagent dans la création du maintenant comme futur et génèrent une réalité et une science-fiction. Ils posent également la question: quels symboles, formes et mythes existeront encore lorsque les systèmes connus s'effondrent, les paysages s'effondrent et les cycles se désynchronisent?
Les artistes de Permafrost s'approprient et inventent différents régimes esthétiques, formels et narratifs. En brouillant les frontières entre passé lointain et futur proche, époques géologiques et chaînes de production, ils cherchent à développer des systèmes esthétiques qui répondent aux défis de notre temps, qui sont des formes de résistance.
En résonance avec la 16ème Biennale d'Istanbul Le 7ème continent, organisée par Nicolas Bourriaud, Permafrost rassemble des installations, des sculptures, des vidéos et des dessins, dont beaucoup ont été coproduits par MO.CO. Panacée et la Biennale d'Istanbul.
Les artistes de l'exposition : Deniz Aktaş, Ozan Atalan, Nina Beier, Dora Budor, Rochelle Goldberg, Eloise Hawser, Max Hooper Schneider, Nicolas Lamas, Pakui Hardware, Michael E. Smith, Laure Vigna.
Queer is Not a Label
Queer is Not a Label
Location: Mostyn, Lludno (Wales)
Institution : Mostyn, Lludno (Pays de Galles)
Supported Artists : Kévin Blinderman & Paul-Alexandre Islas
Artistes soutenus : Kévin Blinderman & Paul-Alexandre Islas
Category: Series of 6 online performances
Catégorie : Série de six performances en ligne
Dates: 23.11.20 - 28.11.20
Dates: 23.11.20 - 28.11.20
Queer is Not a Label is a series of events at the crossroads between art, music and performance, initiated and founded in Paris in 2019 by Kévin Blinderman and Paul-Alexandre Islas, that supports and celebrates radical gender-questioning artists. For this collaboration with Mostyn, the series includes online performances by Noemi, DJ Fingerblast, Nuh Peace, Bunny Intonamorous, Neurokill, and TRISTAN.
Based on community-building and collaboration, this nomadic project seeks to question and deconstruct patriarchal heteronormative structures. Connected to the internet since childhood, the artists are invested in various kinds of musical genres. They sample, produce, steal, remix and distort, forming complex musical collages.
Queer is Not a Label est une série d'événements au carrefour de l'art, de la musique et de la performance, initiée et fondée à Paris en 2019 par Kévin Blinderman et Paul-Alexandre Islas, qui soutient et célèbre les artistes qui remettent radicalement en cause le genre. Pour cette collaboration avec Mostyn, la série comprend des performances en ligne de Noemi, DJ Fingerblast, Nuh Peace, Bunny Intonamorous, Neurokill et TRISTAN.
Basé sur la construction de la communauté et la collaboration, ce projet nomade cherche à remettre en question et à déconstruire les structures patriarcales hétéronormatives. Connectés à Internet depuis l'enfance, les artistes sont investis dans différents genres musicaux. Ils samplent, produisent, volent, remixent et déforment, formant des collages musicaux complexes.
I'm From Nowhere Good
Location: La Maison Populaire, Montreuil
Institution: La Maison Populaire, Montreuil
Supported Artists: Hannah Quinlan & Rosie Hastings
Artistes soutenues: Hannah Quinlan & Rosie Hastings
Category: Group Exhibition
Catégorie: Exposition de groupe
Dates: 22.01.20 - 11.07.20
Dates: 22.01.20 - 11.07.20
I'm From Nowhere Good is the introductory chapter to the NO NO DESIRE DESIRE cycle imagined by Thomas Conchou at the Maison pop in 2020-2021. Through four exhibitions, events and an online editorial platform, this programme aims to explore contemporary queer art practices and bear witness to possible alternative futures.
The English term "queer" originally meant something strange and is used as an insult to sexual and gender minorities. At the turn of the 1980s, it took on a different meaning when it was hijacked by those who were outraged by it, making the claim of difference a pride.
The exhibition focuses on the conditions under which the lives of sexual and gender minorities are forced to construct themselves through a selection of works that give pride of place to video practices. Its title is taken from GAIKA's Clouds, Chemist And The Angel Gabriel.
With : Josefin Arnell, Simon Brossard & Julie Villard, A. K. Burns, Roy Dib, Amandine Fabregue, Nash Glynn, Hannah Quinlan & Rosie Hastings, Caroline Honorien, Tarek Lakhrissi, Loup, Roxanne Maillet, TON ODEUR (Marie Milon & Élodie Petit), Bruno Pelassy, Luiz Roque and Mikołaj Sobczak.
I'm from nowhere good (je viens de nulle part de bon) est le chapitre introductif au cycle NO NO DESIRE DESIRE imaginé par Thomas Conchou à la Maison pop en 2020-2021. À travers quatre expositions, des événements et une plateforme éditoriale en ligne, ce programme entend explorer les pratiques artistiques queer contemporaines et témoigner de possibles futurs alternatifs.
Le terme anglais de "queer" désigne à l’origine quelque chose d’étrange et est utilisé comme une insulte à l’encontre des minorités sexuelles et de genre. Au tournant des années 1980, il prend une autre signification lorsqu’il est accaparé par celles et ceux qui en subissaient l’outrage, faisant de la revendication de la différence une fierté.
L’exposition s’intéresse aux conditions dans lesquelles les vies des minorités sexuelles et de genre sont contraintes de se construire à travers une sélection d’oeuvres faisant la part belle aux pratiques vidéo. Son titre est extrait du morceau Clouds, Chemist And The Angel Gabriel de GAIKA.
Avec : Josefin Arnell, Simon Brossard & Julie Villard, A. K. Burns, Roy Dib, Amandine Fabregue, Nash Glynn, Hannah Quinlan & Rosie Hastings, Caroline Honorien, Tarek Lakhrissi, Loup, Roxanne Maillet, TON ODEUR (Marie Milon & Élodie Petit), Bruno Pelassy, Luiz Roque et Mikołaj Sobczak.
Location: FRAC Lorraine, Metz
Institution : FRAC Lorraine, Metz
Supported Artist: Céline Condorelli
Artiste soutenue : Céline Condorelli
Category: Solo Exhibition
Catégorie : Exposition personnelle
Dates: 23.07.20 – 24.01.21
Dates : 23.07.20 - 24.01.21
Under a title that evokes a kind of permanent summer, the exhibition presents a reflection between the work of the artist Céline Condorelli (lives and works in London) and a selection of works from the collections of Frac Alsace, Frac Champagne-Ardenne, and Frac Lorraine.
In the development of her thinking around the concept of support, the artist specifically grapples with the structures that occupy public space, with those that allow for an integration of culture into the day-to-day, or that support works of art or the bodies of those who come to visit them.
For her first solo exhibition in France, Céline Condorelli makes use of emotional connections and affinities as a means of orientation towards an institution. Interrogating her place in front of these groupings of works, entities established across time, the artist chooses to look through the lens of affinity and labor – based on her observation that the artist’s labor becomes visible in the leisure time of the visitor, but also that affinities, like friendships, are tied to free time, and are essential to the development of artistic practice. By speaking about freed time, the artist also questions the functioning of the structures that support it (be they places of leisure, culture, or sports), but who rarely engage in social struggles or social issues.
In connection with the choice of Frac Lorraine to approach the collection as a reflection as a plurality of experiences, the artist proposes an exhibition as a space of friction that confronts shared pleasures, communal constraints and individual physical reality.
Regroupées sous un titre évoquant une forme d’été permanent, un temps libre devenu un mode de vie, les œuvres de cette exposition découlent du travail de l’artiste Céline Condorelli avec les collections des Frac Alsace, Champagne-Ardenne et Lorraine. Il serait pourtant trompeur de penser qu’il s’agit ici essentiellement de vacances.
Céline Condorelli (née en 1974, vit et travaille à Londres) associe sa production artistique à une pratique de recherche, développant depuis plusieurs années une réflexion autour de la notion de soutien. Elle s’attache tout particulièrement aux structures occupant les espaces publics, à celles qui permettent d’intégrer la culture dans le quotidien, celles soutenant des œuvres ou les corps de ceux venus leur rendre visite.
Invitée à proposer une exposition avec les collections des trois Frac du Grand Est, Céline Condorelli a commencé par interroger sa place face à ces groupes d’œuvres, entités constituées à travers le temps. Elle a choisi de les étudier à travers le prisme des affinités et du travail – partant du constat que le travail de l’artiste devient visible dans le temps de loisir du visiteur, mais aussi que les affinités, comme les amitiés, qui sont liées au temps libre, sont essentielles au développement du travail artistique.
Le temps libéré des contraintes associées au travail, né des luttes initiées par le mouvement ouvrier, se matérialise ici à travers des formes et situations associées à des moments consacrés aux rapports humains, à la détente, à l’oisiveté. Les posters, sculptures, photographies et installations de Céline Condorelli sont mêlées à des œuvres d’artistes qui ont été sources d’inspiration, avec lesquel.les elle a travaillé ou qui sont proches d’elle, pour parler de l’articulation entre temps travaillé et temps libéré.
Pour sa première exposition personnelle en France, Céline Condorelli prend le parti-pris d’utiliser les liens affectifs et les affinités comme moyen d’orientation face à une institution. En parlant du temps libéré, elle questionne également le fonctionnement des structures qui le soutiennent (lieux de loisirs, de culture ou de sport), et qui ne s’engagent pourtant qu’occasionnellement dans des luttes sociales ou enjeux sociétaux. En lien avec le choix du Frac d’aborder la collection comme reflet d’une pluralité d’expériences, l’artiste propose une exposition comme un espace de frottements qui confronte plaisirs partagés, contraintes communes et réalité physique individuelle.
archive élastique
Location: CAC Synagogue de Delme, Delme
Institution: Synagogue de Delme, Delme
Supported Artist: Merlin Carpenter
Artiste soutenu : John Smith
Category: Solo Exhibition
Catégorie: Exposition personnelle
Dates: 24.10.20 - 31.01.21
Dates: 24.10.20 - 31.01.21
Merlin Carpenter is an artist and painter whose painting practice, in order to reflect on itself, does not hesitate to go beyond its limits and extends towards other mediums or fields. In parallel with this he keeps a conscientious and evolving eye on issues of institutional critique or contemporary versions of “contextual” art. He constantly questions his medium, its appearance and existential conditions, as well as what it means to be an artist today within the machinery of capitalism
Basing his work on Marx’s theories of value (as shown in the many theoretical writings which accompany his artistic practice¹ ), in his view the artistic critique is no longer content with acting as an example of development for capital: though it stigmatises and condemns, being caught in capital’s grip itself, it acts directly for it. Also, each of Merlin Carpenter’s projects is a chance taken to react to the various crises punctuating the recent history of capitalism, even if they impose a conceptual reversal on them, sometimes subtracting themselves in this contradiction. Aware that capitalism always emerges more strengthened than weakened by these crises, he looks for some other way to maintain a certain intellectual and artistic freedom.
If we take the view that visitors of cultural sites now have a consumer reflex, are consumers of culture, of art; then some of his recent exhibitions have aimed to hinder the satisfaction of the immediate desire of the visitor/consumer. In these exhibitions, hidden, concealed works are created with materials that are considered poor or improper for art. And when he makes figurative paintings, enabling him to give viewers what they appear to need to satisfy their desires, these have something encrypted; they are either kitsch, or are well-painted but their subject does not offer itself in an immediate way. In so doing, Merlin Carpenter gladly admits that his art has something to do with the creation of value, and though it can appear abstruse, deceptive or sometimes iconoclastic, the artist believes that every anti-aesthetic or anti-spectacular approach, which still had a strong critical or subversive connotation a few years ago, is now doomed to be academic and even decorative, to become a cliché of “contemporary art”, negating the expected effect. So it is here that he believes it is most relevant to act, in those interstices where capital absorbs what opposes its logic. Merlin Carpenter therefore does not make art just to produce art, but to highlight the context of his art, the situation in which it is made and evolves. Where others consider this whole apparatus of the establishment of art’s value to be secondary, the artist chooses an aesthetic approach that brings it to the fore. If his work tends not to represent an end in itself, or has ends other than its own, he finds himself in an endless operation in an ever-more unpredictable social context.
The exhibition archive élastique takes as its point of departure the Synagogue de Delme’s location, the road running through the village, on which numerous lorries and wide loads circulate. In the middle of a rural area, this traffic is irritating. France is a distribution machine. Also—and because the synagogue/exhibition space is located at the side of that road—the artist proposes to make it into a warehouse or archival storage space, in which one finds thousands of boxes, awaiting transportation. Right in front of the synagogue entrance is a forklift, parked and ready to load the pallets into lorries for hypothetical delivery. But since no forklift of this kind could get through the door, the vehicle is doomed to wait outside.
Merlin Carpenter est un artiste-peintre dont la pratique picturale, afin de réfléchir sur elle-même, n’hésite pas à dépasser les limites de son cadre et s’étend davantage vers d’autres mediums ou d’autres domaines. Il garde simultanément un regard critique consciencieux et évolutif sur les enjeux de la critique institutionnelle ou des versions contemporaines de l’art « contextuel ». Il s’interroge constamment sur son médium, ses conditions d’apparition, son mode existentiel, et ce que signifie être artiste aujourd’hui, dans les rouages du capitalisme.
S’appuyant sur les théories de la valeur dans le système capitaliste chez Marx (comme en attestent ses nombreux écrits théoriques accompagnant sa pratique artistique), la critique artistique ne se contente plus désormais d’agir comme exemple de développement pour le capital mais, elle-même prise dans son étau, et quoiqu’elle stigmate ou dénonce, elle agirait directement pour lui selon l’artiste. Aussi, les projets de Merlin Carpenter sont à chaque fois l’occasion de réagir aux différentes crises ponctuant l’histoire récente du capitalisme, même si elles doivent leur imposer un revirement conceptuel, les retranchant parfois dans la contradiction. Conscient que le capitalisme sort toujours plus renforcé qu’affaibli de ces crises, Merlin Carpenter cherche alors une autre façon de maintenir une certaine liberté artistique et intellectuelle.
Si l’on considère que les visiteurs de lieux culturels ont désormais les réflexes de consommateurs, et sont des consommateurs de culture, d’art... alors certaines de ses expositions récentes visaient à empêcher la satisfaction du désir immédiat du visiteur/consommateur. Dans ces expositions, les œuvres cachées, dissimulées, sont réalisées avec des matériaux pauvres ou considérés comme impropres à l’art. Et lorsqu’il peint des tableaux figuratifs, permettant a priori de donner aux regardeurs ce dont ils semblent avoir besoin pour assouvir leurs désirs, ceux-ci ont quelque chose de crypté ; ils sont soit kitsch, soit bien peints mais leur sujet ne se donne pas de manière immédiate. Se faisant, Merlin Carpenter admet volontiers que son art est impliqué dans la création de valeur et s’il peut paraître abscons, décevant ou parfois iconoclaste, l’artiste considère que toute démarche anti-esthétique ou anti-spectaculaire, ayant une forte connotation critique ou subversive il y a encore quelques années, est désormais condamnée à être académique et même décorative, à devenir un cliché de « l’art contemporain », allant à l’encontre de l’effet escompté. C’est précisément là qu’il lui semble le plus pertinent d’agir, dans ces interstices où le capital absorbe ce qui s’oppose à sa logique. Merlin Carpenter ne fait donc pas de l’art seulement pour produire de l’art, mais pour mettre en avant le contexte de son art, la situation dans laquelle celui-ci se fait et évolue. Là où d’autres considèrent comme secondaire tout cet appareil de mise en valeur de l’art, l’artiste choisit une démarche esthétique consistant à le mettre en évidence. Si son travail ne tend pas à représenter une fin en soi, ou parvient à des fins autres que les siennes, il se retrouve impliqué au sein de l’opération perpétuelle d’un contexte social toujours plus imprévisible.
L’exposition archive élastique prend comme point de départ l’implantation de la synagogue de Delme, et la route traversant le village sur laquelle circulent quotidiennement de nombreux camions et convois exceptionnels. En pleine zone rurale, cette circulation est crispante. La France est une machine à distribuer. Aussi, et puisque la synagogue/espace d’exposition se trouve au bord de cette route, l’artiste propose d’en faire un entrepôt de stockage ou un lieu d’archivage, dans lequel se trouveraient des milliers de boîtes, dans l’attente d’être transportées. Juste devant l’entrée de la synagogue se trouve un chariot élévateur, garé et prêt à charger les palettes dans des camions pour une hypothétique livraison. Mais aucun chariot élévateur de ce type ne pouvant s’introduire par les portes, le véhicule est condamné à attendre à l’extérieur.
Location: CAPC, Bordeaux
Institution: CAPC, Bordeaux
Supported Artist: Samara Scott
Artiste soutenue : Samara Scott
Category: Solo Exhibition
Catégorie: Exposition personnelle
Dates: 18.09.2020 - 03.01.2021
Dates: 18.09.2020 - 03.01.2021
For her first major project this side of the Channel, Samara Scott (b. 1985, London) takes over the great nave of the CAPC, installing a huge artificial ceiling composed of beached debris. The public is invited to walk around and under it, to experience the dual identity of this large-scale alchemical collage, both digital and material, attractive and repulsive.
Since graduating from the Royal College of Art, London in 2011, Samara Scott has developed a practice fuelled by the context of hyper-consumerism. This has resulted in poisonously coloured installations made through ‘hijacking’ manufactured objects and organic or chemical by-products of mass production. Before each exhibition, she experiments extensively with the resistance and aesthetic performance of the large array of materials that make up her artworks, such as sponges, toilet paper, nail polish, lettuce leaves, fabric softener, cigarette ash, toothpaste, candles, tights, and tin foil.
At the CAPC the artist has suspended an opaque veil, which divides the central space of the art museum horizontally, creating a fluid 10,000 square-foot canopy over the impressive nave at mezzanine level. On this plane Scott has created a vast ‘pictorial’, multimedia composition using plastics, textiles, fluids, and scrap, as well as substances like coffee, cotton and spices, which hark back to the historical use of the CAPC building as a warehouse for colonial goods in the nineteenth and early twentieth centuries.
The installation can be experienced both from above and from below, offering visitors two very different perspectives on the same work. From underneath, the work is smooth and can only be seen as a flush image: an iridescent sky, which seems to successively float, shiver, and ripple as you walk beneath it; or a shimmering sea, under which one is submerged and experiences filtering rays of sunlight while rising to the surface. From the mezzanines, it recasts itself and unveils the waste objects that make up this blasted landscape of the twenty-first century, fully embracing its ‘toxic positivity’. Nothing here seems to separate material culture from the digital world, nor the sublime from the sordid.
Pour son premier projet d’envergure en France, Samara Scott (née à Londres en 1985) investit la nef du CAPC en y réalisant in situ un immense plafond artificiel composé de débris, sous lequel le public est invité à déambuler et à faire l’expérience de la double identité – numérique et matérielle, séduisante et répugnante – de ce collage alchimique à grande échelle de l’artiste britannique.
Depuis sa sortie du Royal College of Art de Londres en 2011, Samara Scott poursuit un travail qui se nourrit du contexte de l’ultra-consommation pour réaliser des installations colorées nocives et chatoyantes à partir de produits transformés ou de déchets organiques et chimiques issus de la grande distribution. Chacune des interventions de l’artiste est précédée, en amont, d’une batterie de tests, dans lesquels elle éprouve, à des fins esthétiques, la résistance et les performances des multiples matériaux qui composent ses œuvres, parmi lesquels on retrouve fréquemment éponges, papier hygiénique, vernis à ongles, feuilles de salade, assouplissant, cendre de cigarettes, dentifrice, bougies, collants, ou encore papier aluminium, parmi tant d’autres…
Au CAPC, l’artiste a tendu un voile opaque, qui divise horizontalement l'espace central du musée d’art contemporain de Bordeaux, formant un plafond de 1000 m2 à hauteur des mezzanines surplombant sa majestueuse nef. Sur cette surface plane nouvellement créée, elle a réalisé une gigantesque composition « picturale », sorte de grand tableau matiériste coloré, à partir de matières plastiques, textiles, fluides et d’objets de rebut ou d’éléments en référence à l'ancienne fonction du bâtiment abritant le CAPC comme entrepôt pour denrées coloniales telles que le café, le coton, les épices, au XIXe et au début du XXe siècles.
L’installation s’appréhende par en-dessous comme par au-dessus, offrant ainsi aux visiteurs deux aspects très distincts d'une même œuvre. Vue d’en bas, l’œuvre est lisse et ne livre d’elle-même que son image : celle d’un ciel iridescent qui semble tour à tour flotter, trembler et onduler à mesure que l’on circule sous ce dernier ; ou celle d’une mer scintillante dans laquelle on est immergé et dont on essaie de rejoindre, à la nage, la surface, d’où filtrent les rayons du soleil. D’en haut, c’est une autre histoire : la contemplation de la pièce depuis les mezzanines permet de découvrir les déchets qui composent ce paysage accidenté du XXIe siècle et d’embrasser sa pleine « positivité toxique ». Rien ne semble ici séparer la culture matérielle du monde digital et rien non plus ne distingue le sublime du sordide.
Akimbo
Akimbo
Location: Nottingham Contemporary, Nottingham
Institution: Nottingham Contemporary, Nottingham
Supported Artist: Jimmy Robert
Artiste soutenu : Jimmy Robert
Category: Solo Exhibition
Catégorie: Exposition personnelle
Dates: 30.10.20 - 18.04.21
Dates: 130.10.20 - 18.04.21
This major survey of the Guadeloupe-born French artist Jimmy Robert (b.1975) brings together sculpture, installation, film, works on paper and performance in the largest-ever presentation of Robert’s work in the UK.
The exhibition explores emergent themes in Robert’s work, including performance and gesture, the politics of spectatorship, appropriation, and the personal and political body, along with their racialised and gendered readings. By drawing together work from 2002 to the present day, the exhibition will bring into focus the intertextuality that has shaped Robert’s work through the myriad quotations and allusions that he deploys. From American choreographer Yvonne Rainer to the Suriname-born Dutch conceptualist Stanley Brouwn, these references act as points of critical departure, which are complicated through shifts in context to create a layered set of reflections, mirrored across time, place and identities.
The notion of reflections and mirrors can also be read through Robert’s engagement with questions of the gaze and desire, of visibility and invisibility. At times, Robert borrows from art-historical instances where black bodies have been fetishized but, more often, his own body provides a point of focus. Many of the films and performances featured in the exhibition, including Joie Noire (2019) as well as earlier Super-8 films such as Brown Leatherette (2002), implicate the body as a vehicle of language, positing it as a site of interference and resistance. Conceptualism meets sensuality in such works, where slippages between image and language, object and image, and materiality and representation are constantly being enacted.
The exhibition will tour to CRAC Occitanie in Sète, France in spring 2021 and to Museion in Bolzano, Italy in summer 2021.
Plus grande présentation jamais faite de l'œuvre
de l'artiste français d'origine guadeloupéenne Jimmy Robert (né en 1975) au Royaume-Uni, qui rassemble des sculptures, des installations, des films, des œuvres sur papier et des performances.
L'exposition explore les thèmes émergents dans l'œuvre de Robert, y compris la performance et le geste, la politique du spectateur, l'appropriation, et le corps personnel et politique, ainsi que leurs lectures racialisées et sexuées. En rassemblant des œuvres de 2002 à aujourd'hui, l'exposition met en lumière l'intertextualité qui a façonné l'œuvre de Robert à travers la myriade de citations et d'allusions qu'elle déploie. De la chorégraphe américaine Yvonne Rainer au conceptuel hollandais Stanley Brouwn, né au Suriname, ces références servent de points de départ critiques, qui se complexifient par les changements de contexte pour créer un ensemble de réflexions en couches, reflétées à travers le temps, le lieu et les identités.
La notion de reflets et de miroirs peut également être lue à travers l'engagement de Robert sur les questions du regard et du désir, de la visibilité et de l'invisibilité. Parfois, Robert emprunte à l'histoire de l'art des exemples où les corps noirs ont été fétichisés mais, plus souvent, son propre corps fournit un point de mire. De nombreux films et performances présentés dans l'exposition, dont
Joie Noire (2019) ainsi que des films Super-8 antérieurs comme
Brown Leatherette (2002), impliquent le corps comme véhicule du langage, le posant comme un site d'interférence et de résistance. Le conceptualisme rencontre la sensualité dans ces œuvres, où les glissements entre l'image et le langage, l'objet et l'image, la matérialité et la représentation sont constamment mis en œuvre.
L'exposition sera présentée au CRAC Occitanie à Sète, au printemps 2021 et au Museion à Bolzano, en Italie, à l'été 2021.
Julie Bena
Location: Kunstraum, London
Institution : Kunstraum, London
Supported Artist: Julie Béna
Artiste soutenue : Julie Béna
Category: Solo Exhibition
Catégorie: Exposition personnelle
Dates: 10.01.20 - 15.02.20
Dates: 10.01.20 - 15.02.20
The Jester & Death is the first solo exhibition by French artist Julie Béna in the UK, which forms a sequel to Béna’s recent exhibition Anna & the Jester in Window of Opportunity (2019) at Jeu de Paume, Paris. Béna’s practice constitutes an eclectic set of references, combining contemporary and ancient literature, high and low art, joking, and seriousness, parallel times and spaces. Over the past years, Béna has developed a range of personal cosmologies in which she stages seemingly banal characters and objects that have enigmatic conversations and interactions with each other. From Pantopon Rose,
a character taken from William S. Burroughs’ Naked Lunch, to Miss None and Mister Peanut,
a disembodied floating wig and the iconic monocled anthropomorphic peanut, Béna lends her characters a singular agency and voice—they are defined by what they are not.
The Jester & Death is an installation and animation which sees the Jester (Béna’s avatar) and William Blake attend a drift-car race. The scene takes place in the Bunhill Fields cemetery; a 16th-18th Century former burial ground located near Kunstraum where nonconformists, radicals and dissenters are buried, holding the remains of John Bunyan, author of The Pilgrim’s Progress, Daniel Defoe, who wrote Robinson Crusoe, and the poet and artist William Blake, among thousands of others.
The Jester & Death est la première exposition personnelle de l'artiste française Julie Béna au Royaume-Uni, qui fait suite à l'exposition de Béna, Anna & the Jester in Window of Opportunity (2019) au Jeu de Paume, à Paris. La pratique de Béna constitue un ensemble éclectique de références, combinant littérature contemporaine et ancienne, plaisanterie et sérieux, temps et espaces parallèles. Au cours des dernières années, Béna a développé une série de cosmologies personnelles dans lesquelles elle met en scène des personnages et des objets apparemment banals qui ont des conversations et des interactions énigmatiques les uns avec les autres. Du Pantopon Rose, un personnage tiré de Naked Lunch de William S. Burroughs, à Miss None et Mister Peanut, une perruque flottante désincarnée et l'arachide anthropomorphique monocle, Béna prête à ses personnages une agence et une voix singulières - ils sont définis par ce qu'ils ne sont pas.
The Jester & Death est une installation et une animation qui voit le Jester (l'avatar de Béna) et William Blake assister à une course de voitures à la dérive. La scène se déroule dans le cimetière de Bunhill Fields, un ancien cimetière du 16ème au 18ème siècle situé près de Kunstraum où sont enterrés les non-conformistes, les radicaux et les dissidents, et où reposent les restes de John Bunyan, auteur de The Pilgrim's Progress, de Daniel Defoe, qui a écrit Robinson Crusoe, et du poète et artiste William Blake, parmi des milliers d'autres.
kunstraum.COM
kunstraum.COM
Possessed
Deviance, performance, résistance
Possédé.e.s
Déviance, performance, resistance.
Location: Mo.Co, Montpellier
Institution : Mo.Co, Montpellier
Supported Artists: Iain Forsyth et Jane Pollard, Lewis Hammond, Paul Maheke, Dominique White
Artistes soutenus : Iain Forsyth et Jane Pollard, Lewis Hammond, Paul Maheke, Dominique White
Category: Group Exhibition
Catégorie : Group Exhibition
Dates: 26.09.20 - 3.01.21
Dates: 26.09.20 - 03.01.21
Possessed is a multidisciplinary exhibition that brings together over 25 international artists. It explores the relationship between resistant or excluded bodies and esoterisms: a means to reappropriate and perform feminist, queer or decolonial identities.
Necromancy and spiritism, divination (astrology, fortune-telling, palmistry), magic and alchemy (spells, potions, elixirs) are among those gestures and rituals whose force springs forth from a body in movement. The occult only acquires meaning through performance. It is banished bodies that seize hold of such acts. The occult is the science of deviant bodies. It is necessary to be excluded and, in return, to exclude oneself from social, religious or economic norms in order to become a witch or a voodoo priest, to converse with spirits and let oneself be carried away by them. In this sense, the occult sets itself up as resistance against dogma, patriarchy, dominant powers, religions, accepted knowledge systems: in other words, the majority. By its nature, it is that which is hidden and other. It is that which reveals.
Possessed brings together sculpture, video, painting, installation. It is further activated by performances that take place within an architectural scenography designed by Mr. & Mr., and a lighting design by Serge Damon, in which the visitor becomes the main actor of a quasi-cinematographic experience.
The exhibition once more allows MO.CO. to offer direct support to artists through the production of a large number of new works, in particular those of Montpellier-based artists Nicolas Aguirre, Jimmy Richer and Chloé Viton, as well as French and international artists, including Raphaël Barontini, Lewis Hammond, Jean-Baptiste Janisset, Paul Maheke, or Apolonia Sokol.
Artists of the exhibition : Nicolas Aguirre, Kelly Akashi, Nils Alix-Tabeling, Jean-Marie Appriou, Raphaël Barontini, Sedrick Chisom, Pauline Curnier Jardin, Iain Forsyth et Jane Pollard, Laura Gozlan, Lewis Hammond, M. Mahdi Hamed Hassanzada, Anna Hulačová, Jean-Baptiste Janisset, Joachim Koester, Paul Maheke, Pierre Molinier, Myriam Mihindou, Nandipha Mntambo, Antonio Obá, Jimmy Richer, Apolonia Sokol, Chloé Viton, Dominique White.
Performances and offsite projects by Pierre Huyghe, Latifa Laâbissi, Luara Learth Moreira, PEREZ.
L’exposition Possédé·e·s rassemble plus de 25 artistes internationaux. Elle explore le rapport entre l’ésotérisme et l’art contemporain. En particulier, comment les corps exclus (les corps genrés, racisés, politisés) se réapproprient les identités féministes, queer ou décoloniales dans la nuit de l’occulte.
Nécromancie et spiritisme, divination (astrologie, cartomancie, chiromancie), magie et alchimie (sortilèges, potions, élixirs) : autant de gestes et de rituels dont la force émane d’un corps en mouvement. L’occulte n’a de sens que performé. L’occulte s’érige aussi comme résistance contre les dogmes, le patriarcat, les pouvoirs dominants, les religions et les savoirs admis. Il est l’autre, le caché, mais il est ce qui révèle. Cette chaîne (déviance-performance-résistance) est au cœur de l’exposition.
Exposition pluridisciplinaire, Possédé·e·s rassemble sculptures, dessins, vidéos, peintures et installations. Elle est activée par des performances au sein d’une scénographie architecturale de Mr. & Mr. et d’une scénographie lumière de Serge Damon dans lesquelles le visiteur devient l’acteur principal d’une expérience quasi cinématographique.
L’exposition est une nouvelle occasion pour le MO.CO. d’affirmer son soutien aux artistes en produisant une grande partie des œuvres pour l’exposition, en particulier celles des artistes de Montpellier Nicolas Aguirre, Jimmy Richer et Chloé Viton, ou d’artistes nationaux et internationaux dont Nils Alix-Tabeling, Raphaël Barontini, Jean-Baptiste Janisset, Lewis Hammond, Paul Maheke ou Apolonia Sokol.
Artistes de l'exposition : Nicolas Aguirre, Kelly Akashi, Nils Alix-Tabeling, Jean-Marie Appriou, Raphaël Barontini, Sedrick Chisom, Pauline Curnier Jardin, Iain Forsyth et Jane Pollard, Laura Gozlan, Lewis Hammond, M. Mahdi Hamed Hassanzada, Anna Hulačová, Jean-Baptiste Janisset, Joachim Koester, Paul Maheke, Pierre Molinier, Myriam Mihindou, Nandipha Mntambo, Antonio Obá, Jimmy Richer, Apolonia Sokol, Chloé Viton, Dominique White. Et des performances et œuvres hors les murs de Pierre Huyghe, Latifa Laâbissi, Luara Learth Moreira, PEREZ.
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